Im Gespräch mit

Łukasz Spychała

Wrocław, Polen

Hi Łukasz, bitte stell dich kurz vor.

Hallo! Mein Name ist Łukasz Spychała und mein künstlerisches Pseudonym ist „Koneser“. Ich bin ein autodidaktischer Fotograf, 28 Jahre alt und lebe in Wrocław, Polen. Eigentlich ist die Fotografie mein ganzes Leben. Meine Eltern haben sich für die Fotografie begeistert. Mein Vater hatte eine eigene Dunkelkammer, und meine Mutter macht auf ihren Bergwanderungen bis heute wunderschöne digitale Landschaftsfotos. Die Kamera fand schnell ihren Weg zu meinem Hals, und ebenso schnell wurde mir klar, dass ich der analogen Fotografie näher stand als der digitalen.

Ich fotografiere seit der Mittelschule, als ich etwa 14 Jahre alt war. Ich begann mein Abenteuer mit einer Digitalkamera. Während meines Studiums entschied ich mich, meine erste analoge Kamera zu kaufen, die seitdem meine Hauptkamera ist. Es handelt sich um die Mamiya RB67 Pro-S Kamera. Ich habe meinen Abschluss an der Technischen Universität Wrocław gemacht. Ich habe einen Master of Science in Computerwissenschaften und arbeite täglich als Programmierer. Im dritten Jahr meines Studiums trat ich der Kulturagenda der Wrocław University of Science and Technology bei und entschied mich dann bewusst für die analoge Fotografie. Ich liebe die Unvorhersehbarkeit und die Möglichkeit, sorgfältig an jedem Bild zu arbeiten. Ich finde, es ist die schönste Art der Fotografie, die es gibt.

2022 war für mich ein großes Abenteuer. Ich habe bei den International Photography Awards 2022 den Titel „Professional Analog / Film Photographer of the Year“ gewonnen!

Welche Bedeutung hat für dich analoge Fotografie? Was reizt / fasziniert dich daran?

Die traditionelle Fotografie ist ein völlig anderer Ansatz und Arbeitsstil. Ich mag es wirklich, an einem bestimmten Bild zu arbeiten und es zu verbessern. Das Drücken des Auslösers ist der letzte Schritt und versiegelt den Rahmen und die Details, von denen ich sicher bin, dass sie genau so und nicht anders sein sollten. Beim Erstellen von Fotos fühle ich mich ruhig, als ob sich meine Zeit mit dem Modell verlangsamt hat. Ich atme durch und nehme wahr, was mir gerade durch den Kopf geht und was mein Herz bewegt.

Was sind aus deiner Sicht die Vor- und Nachteile der analogen Fotografie?

Der Vorteil der analogen Fotografie ist, dass man gezwungen ist, über jedes Bild nachzudenken. Wenn ich auf den Auslöser drücke, passt alles im Bild zu mir und es ist praktisch fertig für die Veröffentlichung. Ein solches Foto ist für mich viel wertvoller als ein digitales Foto von mehreren Tausend, die während einer Sitzung aufgenommen wurden. Und das Negativ mit dem Foto kann man in die Hand nehmen und anfassen. Es ist etwas Greifbares!

Der Nachteil der traditionellen Fotografie ist, wenn ich einen fast perfekten Ort habe und irgendein Element mich stört, das ich nicht bewegen kann. Ich gebe es auf, an diesem Ort Bilder zu machen, denn der Hintergrund für meine Fotos muss von Anfang an perfekt sein. Aufgrund der steigenden Preise für Filme und Ausrüstung ist die traditionelle Fotografie definitiv teurer als die digitale Fotografie. Außerdem wird es immer schwieriger, Leute zu finden, die diese Art von Ausrüstung reparieren können. Die traditionelle Fotografie erfordert im Vergleich zur Digitalfotografie viel mehr Zeit für die Aufnahme selbst. Außerdem kann ich dem Modell die Effekte nicht zeigen. Deshalb versuche ich, einige Instax-Fotos zu machen, damit das Modell einen Eindruck von den fertigen Effekten bekommt.

Konzentrierst du dich bei deinen Arbeiten auf einen bestimmten Schwerpunkt?

Porträt, definitiv. Meine künstlerischen Aktivitäten stehen immer in engem Zusammenhang mit dem, was ich gerade in meinem Privatleben erlebe. Jeder von uns hat eine Zeit, in der wir all die Momente schätzen, die uns entgehen, und versuchen, keinen von ihnen zu verpassen. Ich versuche, sie nicht nur in meinem Gedächtnis zu speichern, sondern sie auch auf Film festzuhalten. Oft versuche ich auch das Gegenteil zu tun und besondere Momente nachzustellen, wenn ich keine Kamera dabei hatte, um sie vollständig zu erleben. Ich versuche, niemanden in eine Schublade zu stecken, schon gar nicht mich selbst, weder künstlerisch noch privat. Unabhängig von der Kohärenz meiner Arbeit versuche ich immer mit Bildern zu erzählen, was für mich im Moment am wichtigsten ist.

Ich lasse mich hauptsächlich von Orten inspirieren. Wo immer ich hingehe, achte ich genau darauf, was mich umgibt. Ich lasse mich von dem inspirieren, was den Hintergrund für meine Fotos bildet. Oft habe ich den Eindruck, dass es Orte sind, die so starke Erinnerungen und Emotionen wecken, dass sie gewissermaßen meinen Rahmen bilden. Ein breites Spektrum von Kunstinstallationen, Gemälden, Skulpturen, Musik und Filmen übt einen großen Einfluss auf mich aus.

Der größte Erfolg ist für mich der Moment, wenn der Betrachter einen Teil von sich selbst in meinen Fotos sieht oder sich an eine ungewöhnliche Erinnerung oder Geschichte erinnert, die ihm widerfahren ist. Manchmal ist es eine Geschichte, die mit dem übereinstimmt, was ich erzählen wollte, und manchmal kann ich dank des Gesprächs mit dem Betrachter feststellen, dass ich unbewusst mehr erzählt habe, als ich mit dem gegebenen Bild beabsichtigt hatte. Es gibt für mich keinen größeren Erfolg als hitzige Diskussionen über meine Fotografie. Sie sind immer meine nächsten Gedanken. Ich glaube, dass sie mich als Künstler weiterentwickeln und mich oft dazu inspirieren, eine weitere Geschichte zu erzählen. Außerdem glaube ich, dass die größte Enttäuschung für einen Fotografen ist, wenn seine Fotos keine Emotionen wecken.

Gibt es (analoge) Fotograf:innen, die deine Ästhetik und Herangehensweise beeinflusst haben?

Ich denke, dass alle Fotografen, die ich auf meinem Weg getroffen habe, einen mehr oder weniger großen Einfluss auf mich hatten. Ich versuche immer, viel von den Begegnungen mit anderen Menschen zu profitieren, und nicht nur von denen mit Menschen aus der Fotobranche. Außerdem denke ich, dass die Modelle, nicht die Fotografen selbst, meine größte Inspiration waren und sind. Das Wichtigste im Bild ist für mich der Mensch, seine Energie, die Art und Weise, wie er durch den Ort der Aufnahme oder meine Vorstellung davon, wer er werden könnte, beeinflusst wird.

Alles, was unsere Augen aufnehmen, hat einen mehr oder weniger bewussten Einfluss auf uns. Daher glaube ich, dass die Macher von Filmen und Serien sowie Künstler aller Arten von bildender Kunst einen großen Einfluss auf meine Fotografie haben. Vielleicht ist es heutzutage unwirklich, aber ich versuche, etwas Neues zu schaffen, damit ich in den Spiegel schauen und mich als echten Schöpfer bezeichnen kann, nicht als Nachmacher. Ich versuche jedoch, mich nicht inspirieren zu lassen und mir die Fotos anderer Leute nicht anzusehen. Ich glaube, dass sie sich sehr schnell in unserem Unterbewusstsein festsetzen können und uns dazu bringen, sie nachzustellen, sogar unfreiwillig.

Dennoch finden sich in meinem Haus Fotoalben von Fotografen wie Helmut Newton, Gregory Crewdson und Nobuyoshi Araki. Ich verfolge auch andere Fotografen aus meinem Land. Meine größte Inspiration hole ich mir aus der Malerei. Von Bildern und ihren Farben, Texturen und Kontrasten. Ich schätze die Werke von Edward Hopper sehr.

Gibt es bestimmte Kameras oder Filme mit denen du bevorzugt arbeitest?

Meine Basiskamera ist die Mamiya RB67 Pro-S Mittelformatkamera. Die Standard-Filmrückteile für diese Kamera haben das Format 6×7, aber ich verwende schon seit einiger Zeit 6×6-Filmrückteile. Meistens verwende ich das Objektiv Mamiya-Sekor C 65mm f/4.5, aber ich habe auch das Mamiya-Sekor C 50mm f/4.5, Mamiya-Sekor C 90mm f/3.8 und das Mamiya-Sekor 180mm f/4.5. Außerdem verwende ich sehr oft ein Einbeinstativ, einen Kameragriff und ein Prisma, aber meistens benutze ich einen Taillensucher.

In letzter Zeit hat mich die Sofortbildfotografie sehr fasziniert. Ich habe mehrere Polaroid-Kameras für Polaroid 600-Filme, aber meine neueste Liebe ist die umgebaute Instax Square SQ1 – „Frankinstax“, damit ich sie an die Mamiya RB67 anschließen kann! Das ist eine wirklich coole Sache, da man damit Fotos von Instax Square-Filmen mit meiner Mamiya und ihren Objektiven machen kann. Die Qualität ist wirklich erstaunlich!

Ich habe mein Abenteuer mit der analogen Fotografie mit Schwarzweißfilmen begonnen. Ich mag Ilford-Materialien wie FP4+ oder HP5+ sehr gerne. In letzter Zeit fotografiere ich immer häufiger mit Farbfilmen. Ich liebe den Kodak Portra 400 und 800, sowie den CineStill 800T. Ich habe auch viele abgelaufene Filme wie Agfa XPS Portrait 160 oder die Kodak Portra NC- und VC-Serie, mit denen man einzigartige Farben erzielen kann.

Apropos Filme: Wie sieht dein Workflow aus?

Ich entwickle Schwarzweißfilme zu Hause im Badezimmer selbst. Ich verwende meistens Kodak XTOL oder Rodinal Entwickler und Fomafix Fixierer. Ich verwende das JOBO System 2520 Multi Tank. Farbfilme entwickle ich in einem örtlichen Fotolabor. Sie bieten ein sehr gutes Preis-Leistungs-Verhältnis! Zum Scannen der Filme verwende ich den Epson Photo v700 Flachbettscanner mit Silverfast und Adobe Photoshop CC Software, um Staub und Kratzer von den Negativen zu entfernen.

Welchen Rat würdest du anderen Fotograf:innen geben, die dieses Interview lesen?

Versuche nicht, das Ideal zu verfolgen. Sei nicht unwissend. Zögere bei der Erweiterung deiner technischen Kenntnisse nicht, bewusst bestimmte Verfahren anzuwenden, die nicht korrekt sind, solange sie die Botschaft deiner Werke verstärken. Kenne die Regeln gut, um sie im richtigen Moment auf eine Art und Weise zu brechen, die andere überraschen wird. Versuche nicht, es deinen Zuschauern recht zu machen, denn das ist unmöglich. Genieße, was die Fotografie dir gibt. Schätze ihre ganze Umgebung. Dank ihr reist du viel, triffst tolle Orte und noch bessere Menschen. Denke daran, mit anderen über Ihre Fotografie zu sprechen, aber filtere immer die Bemerkungen des Betrachters. Das Foto ist so lange gut, wie du selbst damit zufrieden bist.

Falls du deine Arbeiten auf Instagram veröffentlichst: Fluch oder Segen?

Fotos auf Instagram zu posten ist sowohl ein Segen als auch ein Fluch. Man kann unbekannte, kleine Schöpfer entdecken, die Backstage-Fotosessions von Models beobachten, die uns aus allen Ecken der Welt bekannt sind, und es ist auch sehr einfach, mit jemandem vom anderen Ende der Welt in Kontakt zu treten – sich zu unterhalten, zum Erfolg zu gratulieren und sogar um Rat oder eine Überprüfung des Portfolios zu bitten.

Es ist auch ein Fluch, denn die Vielzahl der Möglichkeiten und Bilder vor unseren Augen führt oft zu einer Überreizung, und die Leute sind nicht mehr bereit, sich die Zeit zu nehmen, neue Künstler zu beobachten. Es ist definitiv schwieriger, den Durchbruch zu schaffen und seine Arbeit zu zeigen. Außerdem hat Instagram eine sehr vage Richtlinie für die Berichterstattung und das Posten von Nacktheit. Es ist nicht fair, etwas einzufordern und mit jemandem zu sprechen, der einen unterstützt.

Für viele Künstler, die sich mit dem Thema Körperlichkeit auseinandersetzen, sind unklare Zensurregeln, das Löschen von Fotos und sogar ganze Konten ein Ärgernis. Außerdem kann man sehen, dass Konten mit Millionen von Followern Inhalte haben, die auf Konten mit weniger Followern nicht bestehen würden, was zeigt, dass sie auf Instagram gleichberechtigt sind und immer gleicher werden.