Jean-Luc Feixa
Im Gespräch mit

Jean-Luc Feixa

Brüssel, Belgien

Hi Jean-Luc, bitte stell dich kurz vor.

Hallo, ich bin 35 Jahre alt und stamme aus einer kleinen Stadt in Südfrankreich. Ich habe meine Karriere als Journalistin begonnen, bevor ich Pressesprecher wurde. Seit zehn Jahren lebe und arbeite ich in Brüssel, Belgien. Mit der Fotografie begann ich als Teenager, etwa im Alter von 14 Jahren, als ich bei einer Lokalzeitung lernte, wie man in einer Dunkelkammer Filme entwickelt und auf Papier druckt. Dann begann ich nach und nach, meine ersten Fotos zu machen.

Mein Großvater war ein Maler. Ich habe anfangs ein wenig gemalt, aber ich war sehr schlecht darin. Die Fotografie ermöglichte es mir, diesen Mangel auszugleichen, indem ich eine Kunst ausübte, bei der ich mit Linien, Perspektiven und Kontrasten spielen kann – kurz gesagt: Malen mit Licht!

Welche Bedeutung hat für dich analoge Fotografie? Was reizt / fasziniert dich daran?

Sie ist ein täglicher Begleiter. Da ich in einem Beruf arbeite, der völlig mit dem hektischen Rhythmus der Nachrichten verbunden ist, ermöglicht mir die Filmfotografie, langsamer zu werden, mir Zeit zu nehmen und aus dem ständigen Strom der sozialen Netzwerke und Informationen auszusteigen.

Außerdem gefällt mir die Tatsache, dass ich vom Film bis zur fertigen Abzugskopie Herr meiner Arbeit bin und Serien von A bis Z produzieren kann. Es mag naiv klingen, aber ich finde Film wirklich faszinierend. Ob 35mm oder 120mm, die Tatsache, dass Licht durch eine Filmrolle fällt und ein Bild gedruckt wird, hat etwas Magisches. Ich hänge sehr an dieser Idee, eigene Bilder zu produzieren, auch wenn es offensichtlich eine lange und oft frustrierende Übung ist.

Was sind aus deiner Sicht die Vor- und Nachteile der analogen Fotografie?

Was die Vorteile angeht, so würde ich sagen, dass ich ständig dazulerne. Das Beherrschen des Lichts, sei es beim Fotografieren oder beim Drucken, ist eine echte Kunst, die viele Jahre dauert, und ich bin weit davon entfernt, sie zu erreichen. Ich mag auch die Idee, sehr einfache Werkzeuge zu haben und die Tatsache, dass man warten kann, seine Bilder fast vergisst und sie oft erst Wochen später entdeckt. Beim Film lernt man Frustration, und in einer Welt, in der alles sofort verfügbar ist, ist das ein sehr interessantes Gefühl, das man ausnutzen kann. Beim Entwickeln in der Dunkelkammer lernt man auch die Einsamkeit zu schätzen, die Träumerei in einer in Rot getauchten Atmosphäre und oft auch die Stille. Das ist sehr meditativ.

Als Nachteil würde ich zweifelsohne den Preis nennen. Der Film lebt in einer echten Blase und geht oft über das Lächerliche hinaus. In Belgien mehr als 10 Euro für einen Kodak Tri X zu bezahlen, ist ein absoluter Unsinn. 3000 Euro für eine Leica M6 oder mehr als 1000 Euro für eine Contax T2 zu bezahlen, ist dasselbe. Natürlich gibt es viele geopolitische Faktoren, die den Anstieg des Silberpreises erklären, aber trotzdem. Die großen Unternehmen wie Kodak oder Fujifilm nutzen den Hype um die analoge Fotografie aus. Die Gegenreaktion könnte in ein paar Jahren sehr heftig ausfallen.

Konzentrierst du dich bei deinen Arbeiten auf einen bestimmten Schwerpunkt?

Ich habe mit „Straßenfotografie“ angefangen, wie die Leute sagen, auch wenn dieser Begriff sehr allgemein ist. Heute arbeite ich eher an Langzeitserien mit vielen Landschaftsaufnahmen und Fotos aus meinem Alltag, wobei ich mich mehr auf Unschärfen, Silhouetten usw. konzentriere. Ich spiele besonders gern mit Stimmungen und Elementen wie Nebel oder Sand.

Gibt es (analoge) Fotograf:innen, die deine Ästhetik und Herangehensweise beeinflusst haben?

Französische Fotografen wie Raymond Depardon, von dem ich ein absoluter Fan bin, oder Edouard Boubat wegen seiner Einfachheit und der Poesie seiner Vision. Ich mag das Universum der spanischen Fotografin Cristina García Rodero sehr. Ihre Serie über religiöse Feste in Galicien ist unglaublich. Seit ein paar Jahren verfolge ich die Arbeit von Gabrielle Duplantier und ihr außergewöhnliches Universum oder den italienischen Fotografen Renato d’Agostin, insbesondere seine Labortechnik. Dank Instagram entdecke ich viele sehr gute filmische Arbeiten. Zum Beispiel die von Fotografen, die von der Agentur Révélateur vertreten werden.

Gibt es bestimmte Kameras oder Filme mit denen du bevorzugt arbeitest?

Meine Leica M6. Es ist eine schwierige Kamera, weil sie eine ständige Aufmerksamkeit erfordert, aber sie ist eine Freude. Schon das Objekt ist ein Kunstwerk für sich. Das Geräusch des Auslösers ist wunderbar, der Sucher ist bei 35mm perfekt. Seit mehr als zehn Jahren ist sie meine Kamera der ersten Wahl.

Apropos Filme: Wie sieht dein Workflow aus?

Die meisten Filme entwickle ich selbst oder ich beauftrage gelegentlich einen Labor. Dann scanne ich in der Regel und bestelle online einen ersten Eindruck von allen gescannten Bildern. Die Bilder in der Hand zu haben, auch wenn sie unbearbeitet sind, ist bequemer und ermöglicht mir einen ersten Blick. Dann kommt es darauf an. Entweder bearbeite ich einige Bilder in Lightroom nach, oder ich drucke meine Bilder in der Dunkelkammer und scanne sie dann ein. Für Ausstellungen, wenn ich eine sehr gute Arbeit haben möchte, vertraue ich meine Abzüge lieber einem Freund von mir an, Laurent de Bonte, der ein professioneller Drucker ist und hervorragende Arbeit leistet.

Welchen Rat würdest du anderen Fotograf:innen geben, die dieses Interview lesen?

Zu lesen, Ausstellungen zu sehen und nicht nur über Fotografie. Ich bin über die Malerei zur Fotografie gekommen, und das war eine großartige Lernerfahrung. Ich rate auch dazu, sich nicht zu sehr auf die Technik zu verlassen. Sicherlich ist die Digitaltechnik wunderbar, und ich verwende sie mit großer Freude für andere Arbeiten, vor allem in Farbe. Aber man muss sich zwingen, die Grundlagen zu lernen, die Geschwindigkeit, die Blende, die Fluchtlinien, die Perspektiven. Man muss sich daran erinnern, dass das Wesentliche in der Fotografie nicht so sehr das Motiv ist, sondern das Licht. Das ist die Grundlage, und es ist eine wahre Freude, das zu lernen.

Ich würde auch dazu raten, den Konsum von Fotos in den sozialen Netzwerken einzuschränken. Wir werden mit Bildern überflutet und es ist sehr einfach, von Bild zu Bild zu scrollen, ohne die Bedeutung zu verstehen oder die Schönheit zu schätzen. Was die sozialen Netzwerke betrifft, würde ich auch davon abraten, Bilder sofort zu posten oder Challenges zu machen, wie z. B. eine Aufnahme pro Tag oder 24 Bilder an einem Tag. Das Nachdenken über ein Bild braucht Zeit. Ein Bild wird aufgebaut, durchdacht, und ich denke, man muss sich zwingen, einen Schritt zurückzutreten und mit dem Wunsch nach sofortiger Befriedigung aufzuhören. Ich denke, dass Josef Koudelka fast zwei Jahre wartet, um seine Bilder zu zeigen. Ohne dieses Extrem zu erreichen, ist es ein Weg, der meiner Meinung nach von Vorteil ist.

Schließlich rate ich auch dazu, an Bildserien zu arbeiten und nicht nur an Zufallsbildern. Es ist leicht, ein einziges Bild zu machen, viel schwieriger ist es, eine Serie von 10 oder 15 zusammenhängenden Bildern zu produzieren. Das ist oft das Problem in der Straßenfotografie. Viele zufällige Bilder von Straßen, aber mit welchem Sinn?

Falls du deine Arbeiten auf Instagram veröffentlichst: Fluch oder Segen?

Es war ein Segen, der für viele zunehmend zum Fluch wird. Durch Instagram habe ich viele sehr talentierte Fotografen entdeckt und tue es immer noch. Aber der Algorithmus verändert sich zu sehr und das Foto stirbt zugunsten des Videos. Aber hey, wie bei allem, kommt es auf die Nutzung an. Ich liebe Instagram nur sparsam. Ich stelle lieber in der realen Welt aus. Ein anerkennender Kommentar von jemandem, der mir gegenübersitzt, ist mehr wert als all die digitalen Likes.

Welche drei Fotobücher kannst du empfehlen / sollte man unbedingt besitzen?

Ein Buch, das meiner Meinung nach völlig unterschätzt wird: „ONCE“ von Win Wenders. Ich habe es zufällig gefunden. Ein Schlag ins Gesicht. Texte von einer seltenen Poesie und ein Eintauchen in das tägliche Leben von Wenders. Wirklich außergewöhnlich.

„España Oculta“ von Cristina Garcia Rodero. Populäre und traditionelle Feste, vor allem in der Region Galicien in Spanien. Die schwere Atmosphäre wird mit einem sehr dichten Schwarz und Weiß kombiniert. Ein Monument.

„Black Passport“ von Stanley Greene. Ein retrospektives und intimes Logbuch. Unbeschreiblich. Man muss es gesehen haben. Es ist gewalttätig, schön, mythisch. Greenes Universum.

Vielen Dank für deine Zeit!

Präferenzen

Kamera/s

Leica M6, Hasselblad 500 CM

Film/e

Kodak Tri X, Ilford HP5

Farbe & s/w

S/W

Ausgewählte Arbeiten

© Jean-Luc Feixa
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