Im Gespräch mit

Jose Witteveen

Rom, Italien

Hi Jose, bitte stell dich kurz vor.

Nach Abschluss meines Studiums an den Kunstakademien in Amsterdam und Den Haag kehrte ich nach Friesland, einer Region im Norden der Niederlande, zurück. Dort setzte ich mein Philosophiestudium an der Universität fort und lebte in einer Gemeinschaft von 16 Personen in der friesischen Stadt Leeuwarden. Während dieser Zeit hatte ich auch die Gelegenheit, für kürzere Zeiträume in anderen Städten wie Berlin, Reykjavik und Edinburgh zu leben und zu arbeiten. In den letzten sieben Jahren war Rom jedoch meine Heimatbasis, von der aus ich jedes Jahr für drei bis vier Monate an andere Orte in der Welt reise, meist als Artist-in-Residence.

Ich begann bereits als Teenager mit analoger Fotografie zu arbeiten, aber mein Schwerpunkt verlagerte sich schließlich, als ich im Alter von 17 Jahren ein Studium an der Kunstakademie begann. Trotz dieser Verschiebung habe ich die Fotografie weiterhin in meinen Arbeitsprozess einbezogen und sie als Mittel zur Erstellung von Skizzen und Collagen verwendet, die ich in Aquatinta-Radierungen umwandelte.

Erst etwa 20 Jahre später, als ich das Werk von Claude Cahun kennenlernte, entdeckte ich meine Liebe zur analogen Fotografie wieder. Seitdem ist sie ein fester Bestandteil meines täglichen Lebens und meiner künstlerischen Praxis geworden.

Welche Bedeutung hat für dich analoge Fotografie? Was reizt / fasziniert dich daran?

Die analoge Fotografie ist für mich besonders spannend, weil sie mit Chemie zu tun hat. Jahrelang habe ich täglich mit der Technik der Aquatinta-Radierung gearbeitet, die es mir ermöglichte, die Schnittstelle zwischen Kunst und Wissenschaft zu erkunden. Ein weiterer Grund, warum ich analoge Fotografie mag, ist, dass sie oft einzigartige und unvorhersehbare Ergebnisse hervorbringt. Das Aussehen und die Haptik von Film unterscheiden sich von der Digitalfotografie, und der chemische Prozess der Filmentwicklung kann verschiedene Unvollkommenheiten, unerwartete Prozesse und Unregelmäßigkeiten in das endgültige Bild einbringen.

Diese Aspekte faszinieren mich immer wieder, da es sich wie ein Tanz zwischen mir und den Chemikalien anfühlt – manchmal führe ich, manchmal sie.

Was sind aus deiner Sicht die Vor- und Nachteile der analogen Fotografie?

Einer der Hauptnachteile der analogen Fotografie sind die Materialkosten. Ich habe jedoch Wege gefunden, diese Materialien im Austausch gegen Kunstwerke zu erhalten, anstatt mit Geld zu bezahlen. Derzeit warte ich darauf, von einem Unternehmen, das analoge Materialien verkauft, eine Antwort auf die Frage nach einem möglichen Sponsoring zu erhalten – drückt mir also die Daumen!

Ich verwende die analoge Fotografie nicht nur, um meine Gedanken und Forschungen zu vermitteln, sondern der Akt des Fotografierens kann auch eine Form der Meditation sein. Indem ich dem gegenwärtigen Moment und meiner Umgebung große Aufmerksamkeit schenke, kann ich die Welt um mich herum genau beobachten und die innovativen und analytischen Aspekte meines Prozesses miteinander verbinden.

Konzentrierst du dich bei deinen Arbeiten auf einen bestimmten Schwerpunkt?

Meine jüngsten Arbeiten erforschen die Komplexität und die Beziehungen zwischen dem Konstrukt des Selbst und den verschiedenen Arten, wie die Identität durch die Wahrnehmung von Zeit, Geschichte, Mythen (Erzählungen) und unsere Verbindung zur natürlichen Welt geformt wird. Unser Selbstverständnis verändert und entwickelt sich ständig, vor allem in dem Maße, wie wir uns im digitalen Zeitalter mit Hilfe von Technologie präsentieren und kommunizieren.

Meine Arbeiten bewegen sich zwischen den Bereichen Druckgrafik und Fotografie und sind eine Form der Performance-Kunst. Sie sind ein Wechselspiel zwischen poetischer Zerbrechlichkeit und der rauen Ästhetik des pulsierenden Stadtlebens. Zusammenarbeit ist ein integraler Bestandteil meiner Praxis; derzeit arbeite ich an einem Projekt namens „Orlando“. Diese fortlaufende Serie ist von Virginia Woolfs biografischem Roman „Orlando“ inspiriert, der für seine unkonventionelle Struktur und die Erkundung von Themen wie Identität, Geschlecht und das Vergehen der Zeit bekannt ist, die in meiner Arbeit eine wichtige Rolle spielen.

Ich lade Menschen ein, die bereit sind, ihre Geschichten zu erzählen, und führe einen einfühlsamen Dialog über Identitäts- und Geschlechterfragen. Das Projekt zielt darauf ab, die Zwänge traditioneller Geschlechterrollen in Frage zu stellen und authentischere und fließendere Darstellungen von Geschlecht anzubieten. Ich baue ein dokumentarisches Element in meine Kunst ein, das Themen aus dem wirklichen Leben und authentische Erfahrungen aufzeigt. Bei diesem Projekt arbeite ich auch mit der Modedesignerin Natalia Diaz zusammen, und wir arbeiten derzeit im Rahmen eines Artist-in-Residence-Programms in Rom gemeinsam an der CSF Adams.

Meine neueste Kollaboration ist die mit der multidisziplinären Künstlerin Michelle Samba. Dabei handelt es sich um eine Reihe von Stop-Motion-Videos, bei denen analoge Fotografien verwendet werden, auf die Michelle mit Musikkompositionen reagiert. Wir tauschen auch die Rollen, wobei Michelle mir kurze Musikkompositionen schickt, die eine Reihe neuer Stop-Motion-Kreationen inspirieren.

Gibt es (analoge) Fotograf:innen, die deine Ästhetik und Herangehensweise beeinflusst haben?

Es gibt so viele Menschen, die meine Kunstpraxis beeinflusst haben, darunter Schriftsteller, Philosophen und Künstler, die in verschiedenen Medien wie Film, Musik, bildender Kunst und Performance arbeiten. Es ist schwer, nur ein paar auszuwählen, da ich mich von so vielen verschiedenen Quellen inspirieren ließ und sie studierte.

Ich sollte auch erwähnen, dass ich mich selbst nicht als Fotografin sehe, obwohl ich die Fotografie als Medium in meiner künstlerischen Praxis verwende. Die Fotografie ist nur eines der Medien, mit denen ich meine Ideen und Konzepte zum Ausdruck bringe.

Gibt es bestimmte Kameras oder Filme mit denen du bevorzugt arbeitest?

Ich habe zwar keine Lieblingskamera, die ich besitze, aber ich habe eine besondere Vorliebe für meine Pentax 67. Was die Filmhersteller betrifft, so ist mein Favorit definitiv Washi-Film. Deren Filme lassen viel Raum für Experimente und kreative Entdeckungen, was ich sehr schätze.

Apropos Filme: Wie sieht dein Workflow aus?

Bei der Filmentwicklung und dem Abzug des Negativs übernehme ich in der Regel alles selbst. Wenn ich das Negativ nicht drucke, scanne ich es stattdessen selbst ein. Manchmal bearbeite ich die Bilder auch digital, indem ich Techniken wie Zeichnung, Collage oder Fotomontage verwende, und verwandle das Ergebnis dann in eine Toyoboradierung. In meiner künstlerischen Praxis erforsche ich oft zeitgenössische Ansätze für traditionelle (druckgrafische) Techniken.

Ich möchte an dieser Stelle Alessandro Signorini meine tiefe Dankbarkeit dafür ausdrücken, dass er mir großzügig alles über die Entwicklung von Filmen, sowohl in Schwarzweiß als auch in Farbe, beigebracht hat. Sein Wissen und seine Erfahrung waren für mich von unschätzbarem Wert. Ich möchte ihm auch dafür danken, dass er mir gezeigt hat, wie man Negative erstellt.

Welchen Rat würdest du anderen Fotograf:innen geben, die dieses Interview lesen?

Ich würde empfehlen, über die Grenzen des Mediums hinauszudenken, mit anderen zusammenzuarbeiten, zu recherchieren, verschiedene Dinge zu studieren, zu experimentieren und neben harter Arbeit auch ein bisschen Spaß zu haben.

Falls du deine Arbeiten auf Instagram veröffentlichst: Fluch oder Segen?

Zurzeit dient mir Instagram als Plattform, um meine Arbeit zu präsentieren, meine Kunstwerke zu verkaufen und mit anderen Künstlern in Kontakt zu treten. Ich würde es jedoch vorziehen, mehr Optionen für Online-Plattformen zu haben, die Ethik, Zusammenarbeit und Dialog auf eine Art und Weise priorisieren, die neue Möglichkeiten und Wachstum für alle Nutzer ermutigt. Es ist mir wichtig, einen Raum zu haben, in dem diese Werte hochgehalten werden und in dem meine Arbeit geteilt und geschätzt werden kann.