Mickaël André

Hi Mickaël, bitte stell dich kurz vor.

Ich lebe im Süden von Toulouse, Frankreich. Ich bin Musiker, und vor Covid bin ich viel gereist. Das war die perfekte Gelegenheit für mich, verschiedene Orte und Situationen zu fotografieren, auch wenn Zeit und Raum in meinen Bildern irgendwie „versteckt“ sind.

Mit der analogen Fotografie habe ich um 2009 herum begonnen. Ich fand einen Artikel über Lochkameras. Ich war fasziniert von der Idee, mit so einem einfachen Werkzeug Bilder zu machen, also habe ich es mit dem Streichholzschachtel-DIY-Ding versucht, das, glaube ich, ziemlich bekannt ist, und habe mich sofort in diese Bilder verliebt.

Dann habe ich angefangen, mir analoge Kameras zu kaufen, um den ganzen Aufnahmeprozess ein bisschen besser zu beherrschen. Ich habe es mir selbst beigebracht, mit viel Lektüre aus dem Internet. Es gibt so viel auszuprobieren und zu entdecken, vor allem in Bezug auf das Drucken in der Dunkelkammer, dass ich bis vor kurzem nie das Bedürfnis verspürte, einen Kurs oder Workshop zu besuchen.

Welche Bedeutung hat für dich analoge Fotografie? Was reizt / fasziniert dich daran?

Es bedeutet einen anderen Umgang mit der Zeit und auch Momente abseits des Bildschirms. Aber der faszinierendste Aspekt ist die Überraschung, das Unvorhersehbare, das Unerwartete. Während ich fotografiere, sehne ich mich meistens danach, etwas zu finden, an das ich mich auf dem Film nicht erinnern kann. Und auch wenn es Bilder gibt, die ich sorgfältig komponiere, bin ich immer auf der Suche nach einer Form von Überraschung oder einer Erscheinung auf dem Film, und das passiert, das ist es, was mich am Film fasziniert. Das ist es, was mich am Film fasziniert. Mit dieser sehr wichtigen Idee des Wartens, das Bild kommt erst später, und es ist etwas, das mir sehr viel bedeutet, das Warten zu erleben. Es ist eine ganz andere Beziehung zum Akt der Bildproduktion, und diese besondere Herangehensweise zieht sich durch den gesamten Prozess der Aufnahme, der Bearbeitung und des Drucks.

Was sind aus deiner Sicht die Vor- und Nachteile der analogen Fotografie?

Der Hauptvorteil des analogen Fotografierens könnte in den persönlichen Erfahrungen liegen, die damit einhergehen, denke ich. Sich Zeit zu nehmen, Entscheidungen zu treffen, Ansichten zu speichern, über Mäßigung nachzudenken, sich zu fragen, warum man auf den Auslöser drückt, zu überdenken und sich selbst in Frage zu stellen, weil es in genau diesem Moment keinen Bildschirm gibt, auf den man starren könnte, anstatt darüber nachzudenken, was man gerade aufgenommen hat und wie es auf einen wirkt. Dieser besondere Moment zwischen der Aufnahme und dem Entwickeln der Rolle ist offen für solche Spuren der Reflexion über das, was passiert ist und was man erwartet, dass es an manchen Stellen philosophisch wird.

Und all diese Gedanken sind noch präsenter, wenn man in der Dunkelkammer druckt, wo man auch lernt, zu scheitern. Die meiste Zeit Papier, Zeit und Geld wegzuwerfen, um den Abzug zu bekommen, den man in seinem Kopf sieht, kann manchmal als völlig unsinnig angesehen werden, aber auch hier ist es etwas, worüber man nachdenken sollte.

Dieser Gedanke führt mich zum größten Nachteil, dem Preis für alles, was mit der analogen Fotografie zu tun hat, natürlich. Und nicht nur Film, Papier und Chemikalien, sondern auch Kameras werden immer teurer, weil immer die gleichen Leute versuchen, mit Trends Geld zu verdienen. Vor zwanzig oder dreißig Jahren war der Kauf von Leicas oder Olympus Mjus ein guter Schachzug, wenn man heutzutage Geld verdienen will.

Konzentrierst du dich bei deinen Arbeiten auf einen bestimmten Schwerpunkt?

Nicht wirklich. Mir ist aufgefallen, dass nicht viele Menschen auf meinen Bildern zu sehen sind. Ich denke, ich versuche, eher Gefühle einzufangen als Orte und Zeiten, ich versuche, Dinge an mir zu erfahren, und das kann man in fast jeder Art von Bildern finden, eine Straße, ein Baum, ein Haus, ein Himmel, ein Schatten, eine Spur auf dem Boden, es ist schwer, das hier zusammenzufassen, aber es geht mehr darum, eine Stimmung einzufangen.

Gibt es (analoge) Fotograf:innen, die deine Ästhetik und Herangehensweise beeinflusst haben?

Natürlich hat mich die Arbeit von Michael Ackerman sehr beeindruckt, als ich sie entdeckte. Auch Paulo Nozolino ist eine wichtige Entdeckung. Es gibt eine Form von Strenge in seinem Werk, die mich anspricht, wie eine mehrfache, endgültige Beobachtung von allem, was zum Verschwinden gebracht wurde, sowohl materiell als auch geistig.

Diese beiden Fotografen haben mich schon immer angezogen, nicht nur durch ihre Themen, sondern auch durch ihre sehr grafische Herangehensweise an den Druck, die sehr tiefen Schwarztöne. Einige dieser einflussreichen Fotografen scheinen in ihren Arbeiten die Idee der Seltenheit zu kultivieren. Ich mag die Idee des eigenständigen, starken Bildes, das man stundenlang anstarren und sich fragen kann, wie und warum. Auch die Tatsache, dass sie sich mit dem gesamten Prozess des Fotografierens und Druckens auseinandersetzen, erregt meine Aufmerksamkeit. Auch einige japanische Fotografen aus den 70er Jahren, wie Kikuji Kawada und sein Buch „Chizu“ waren ein ziemlicher Schock.

Aber wenn ich über Einfluss nachdenke, versuche ich mich auf die Tatsache zu konzentrieren, dass ich mein eigenes Leben lebe und nicht das ihre, obwohl ich die gleichen Werkzeuge benutze wie diese erstaunlichen Fotografen. Ich werde zum Beispiel nie einen Krieg oder ein Konzentrationslager fotografieren, ich muss auf meine eigenen Gefühle hören, um so aufrichtig wie möglich zu sein. Das ist etwas, das ich im Hinterkopf behalte, wenn jedes Bild anfängt, „nur“ wie eine analoge Schwarz-Weiß-Fotografie auszusehen. Ich vermute, dass einige andere Fotografen, die sich in dieser Bildsprache weiterentwickeln, ebenfalls darüber nachdenken.

Gibt es bestimmte Kameras oder Filme mit denen du bevorzugt arbeitest?

Die Filme sind immer dieselben, da ich versuche, eine gewisse Regelmäßigkeit in den Korpus zu bekommen, an dem ich seit Jahren arbeite, ich nenne ihn „Ajar“. Also bleibe ich bei Ilford HP5 und manchmal bei Kodak Tri X, aber der ist nicht mehr erschwinglich. Ich verwende sie meistens, weil ich gerne nachts oder bei schlechten Lichtverhältnissen fotografiere, in der Regel bei 3200 Iso.

Bei den Kameras ist das anders, es hängt wirklich von der Stimmung ab und davon, ob ich eine Tasche mitnehmen kann oder nicht. Seit Jahren fotografiere ich bei jeder Gelegenheit, die sich mir bietet, also wollte ich einfach eine Kamera haben, die in meine Tasche passt, das waren von Anfang an meine Favoriten, die Minox GTs sind dabei ein Muss.

Dann hat mir ein Freund eine Ricoh GR1 geschenkt, mit der ich sehr gerne fotografiere, die Lomo LC-A auch, auch wenn sie viel weniger Kontrolle bietet, aber ich liebe ihre besondere Wiedergabe in schwarz-weiß, ich kaufe jedes Mal eine, wenn die vorherige stirbt.

Ich mochte schon immer alle Messsucher aus den 70er Jahren, also habe ich mir die meisten davon gekauft, Canonet, Yashica Electro 35, Olympus RC usw… Dann hatte ich es satt, mich auf Elektronik zu verlassen, die immer irgendwann kaputt geht. Außerdem wollte ich mich mehr auf das Ablesen des Lichts mit meinen Augen konzentrieren, da dies wahrscheinlich der beste Belichtungsmesser ist, den wir verwenden können. Also entschied ich mich für eine Kamera ohne Belichtungsmesser und behielt nur die Einstellräder für Verschlusszeit, Blende und Iso. Ich fand eine Leica M4-P zu einem super günstigen Preis mit der Idee, dass dies meine letzte Kamera sein würde. Ja, das sagen wir alle, aber die Zeit wird es zeigen. haha!

Apropos Filme: Wie sieht dein Workflow aus?

Auch hier bleibe ich seit Jahren bei demselben Arbeitsablauf. Ich entwickle die Filme selbst, dann scanne ich sie ein, um eine Vorstellung davon zu bekommen, was ich habe, und dann drucke ich sie vom Negativ in meiner Dunkelkammer ab. Es ist eine ziemlich bescheidene Dunkelkammer in meiner Garage. Ich muss warten, bis das Wetter schön genug ist, damit die Chemikalien nicht zu kalt oder zu heiß werden, aber ich kann mir das Fotografieren ohne diese Dunkelkammermomente nicht mehr vorstellen, sie machen einen großen Teil meiner Freude an der Bildproduktion aus.

Welchen Rat würdest du anderen Fotograf:innen geben, die dieses Interview lesen?

Ich weiß nicht, ob es ein Ratschlag ist, aber ich würde dazu ermutigen, selbst zu entwickeln und zu drucken, weil dies besondere Momente im Prozess der analogen Fotografie sind, und vor allem, weil es dazu führt, dass man über die Art und Weise, wie man fotografiert, nachdenkt, als ob es eine weitere Möglichkeit wäre, eine Verbindung zu den eigenen Erwartungen herzustellen. Und schließlich ist es gar nicht so kompliziert, auch wenn es am Anfang so aussieht.

Falls du deine Arbeiten auf Instagram veröffentlichst: Fluch oder Segen?

Das ist schwer zu beantworten, aber höchstwahrscheinlich ein Segen, da es eine gute Möglichkeit ist, seine Arbeit zu zeigen und Feedback zu bekommen. Es hängt davon ab, was man erwartet, aber ich sehe es immer noch als einen „Ort“, an dem man talentierte Künstler entdecken und Beziehungen zu Leuten aufbauen kann, mit denen man etwas unternehmen kann, um mit seiner Arbeit voranzukommen.

Seit 2018 poste ich nicht mehr so oft, weil ich schon erschöpft bin von dem, was der Algorithmus von den Nutzern verlangt, vor allem, was das regelmäßige Posten angeht, aber ich entdecke immer noch interessante Fotografen und schaffe einige interessante Momente im echten Leben.

Welche drei Fotobücher kannst du empfehlen / sollte man unbedingt besitzen?

„Half Life“ von Michaël Ackerman ist nach wie vor eine große Sache für mich. Es ist schwer, es zu einem angemessenen Preis zu finden, da es seit Jahren ausverkauft ist. Es beinhaltet perfekt die Frage, von der ich vorhin gesprochen habe. Wie schafft er es, sich in solche Situationen zu begeben, die es ihm ermöglichen, diese Bilder zu machen? Ist es die Person, die er ist, die seine Bilder so intensiv erscheinen lässt? Wo liegt die Grenze zwischen dem, wo man sich befindet und wer man ist, um einem Bild diese Richtung zu geben? Das sind Fragen, die mich jahrelang verfolgt haben, nachdem ich seine Arbeit entdeckt hatte.

Das zweite wäre „Far Cry“ von Paulo Nozolino, denn es fasst seinen Stil sehr gut zusammen, ich kann es jeden Tag anschauen.

Dann würde ich sagen, „Mayflies“ von Dimitra Dede, das ganze Buch ist eine reine Schönheit. Void, der Verlag hat es geschafft, die Schönheit und die Maserung ihres Werks sehr gut zu vermitteln und es zu einem herrlichen Gegenstand zu machen, den man in die Hand nehmen, anfassen und anstarren kann.

Vielen Dank für deine Zeit!