Tessa R. Groenewoud

Hi Tessa, bitte stell dich kurz vor.

Ich lebe in Belgien und komme ursprünglich aus den Niederlanden. Zurzeit lebe und arbeite ich in Gent, einer kleinen Stadt in der Nähe von Brüssel. Ich wurde als Künstlerin ausgebildet, nicht als Fotografin, aber die Fotografie hat immer eine Rolle in meinem Leben gespielt. Sei es in meiner künstlerischen Arbeit, als Medium oder als Schwerpunkt für Recherchen oder für Jobs (ich war zum Beispiel Konzertfotograf für ein Underground-Musikmagazin, und derzeit arbeite ich unter anderem für eine Tanzschule als Fotograf und Grafikdesigner).

Meine künstlerische Arbeit basierte lange Zeit auf Installationen. Ich habe eine Vielzahl von Medien verwendet, von denen die Fotografie (auch analog) nur eines war. Seit etwa 10 Jahren beschäftige ich mich mit der Arbeit in der Dunkelkammer, wo ich sowohl an meinen künstlerischen Arbeiten als auch an privaten Abzügen arbeitete. Diese privaten Drucke wurden bis vor kurzem kaum jemandem gezeigt, was eine wichtige Veränderung in meiner künstlerischen Arbeit bedeutete.

Ich habe mich nie als „Fotografin“ gesehen und tue es auch heute nicht. Ich hielt meine privaten, rein fotografischen Arbeiten für nicht gut genug und behielt sie für mich, obwohl ich sie seit meinem 17. Es war immer ein privates visuelles Tagebuch, und ich experimentierte gerne heimlich in meiner Dunkelkammer mit den Bildern. Es kam nur gelegentlich vor, dass ich einen Abzug an einen engen Freund verschenkte.

Nach einer Art Zusammenbruch in meinem künstlerischen und persönlichen Leben vor etwa fünf Jahren und einer Zeit, in der ich mich als Künstlerin zurückhielt, beschloss ich, mich hauptsächlich auf meine analoge Fotografie zu konzentrieren und diese Arbeit, die mir so sehr am Herzen liegt, herauszubringen. Ich beschloss, zu investieren und meine Ausrüstung und Dunkelkammer aufzurüsten. Als Fotografin bin ich Autodidaktin.

Welche Bedeutung hat für dich analoge Fotografie? Was reizt / fasziniert dich daran?

Der Reiz der analogen Fotografie ist vielschichtig. Ich war schon immer von der Präsenz der Bilder in der Gesellschaft fasziniert. Durch die analoge Fotografie lernten die Menschen, Bilder zu produzieren und mit ihnen umzugehen – im wörtlichen und im übertragenen Sinne. Sie war nicht nur für Fachleute, sondern auch für die breite Öffentlichkeit von Bedeutung. Im Laufe der Zeit wurde der Prozess der Bilderzeugung immer demokratischer und ab einem gewissen Punkt zu einem sehr beliebten und weit verbreiteten Zeitvertreib. Das fasziniert mich aus historischer und kultureller, ja sogar philosophischer Sicht. Der Einfluss der Fotografie, zunächst analog, später digital, war enorm für die Art und Weise, wie wir sehen, uns erinnern und einordnen. In meiner früheren konzeptionellen Arbeit war dies etwas, das oft als Forschungsgebiet auftauchte.

Auf einer anderen Ebene bin ich eine Art Nerd, und ich mag den mechanischen Aspekt der Fotografie. Der Teil, der nicht in unseren Händen liegt. Aber auch die Magie dieser Erfindung eines Auges, das erfassen und manipulieren kann, was und wie und wann wir sehen. Das zieht mich in seinen Bann. Die Tatsache, dass es eine angeborene und ursprüngliche menschliche Eigenschaft, die die meisten Menschen nicht einmal bewusst erleben – den Akt des Sehens – in eine Art von Sprache übersetzt, die von der Kamera diktiert wird, bedeutet, dass es sowohl eine Art der Dekonstruktion als auch der Auseinandersetzung damit ist, was, wie, wann und vielleicht auch warum wir sehen.

Und drittens ist da der sehr elementare, aber ach so magische Prozess des Druckens mit Chemikalien – der Ursprung dieser materiellen Bilder -, der sie in gewisser Weise noch banaler macht, aber für mich selbst nach all den Jahren erfrischend ist.

Was sind aus deiner Sicht die Vor- und Nachteile der analogen Fotografie?

In einem rein praktischen Sinne sind die Nachteile natürlich die Kosten und die Umweltauswirkungen – die Verschwendung von Verpackungen, Filmen und Chemikalien sowie der unvermeidliche Wasserverbrauch.

Der Vorteil ist die engere Konfrontation mit dem fotografischen Prozess, der bei der Arbeit mit dem digitalen Verfahren entfernter ist, und das beeinflusst meine Arbeit auf positive Weise. Der Abstand, der Moment, die Maschine, der Abzug – all das ist bei der analogen Fotografie viel ausgeprägter und an diesem Punkt ein wesentlicher Aspekt, warum ich das tue, was ich tue. Und ich muss zugeben, dass es auch ein romantisches Element gibt, das für mich einen Teil des Reizes ausmacht. Etwas ganz Elementares, das dem fotografischen Prozess innewohnt, ist, dass man sowohl Licht als auch Dunkelheit braucht.

Konzentrierst du dich bei deinen Arbeiten auf einen bestimmten Schwerpunkt?

Meine Arbeit besteht derzeit aus einer wachsenden Sammlung von Fragmenten aus meinem Leben. Ich habe verschiedene Kameras geladen und an verschiedenen Orten einsatzbereit (in meinem Atelier und zu Hause). Ich nehme sie mit, wenn ich Freunde besuche, spazieren gehe, reise oder wenn ich allein im Haus oder im Atelier bin. Die Bilder, die ich mache, werden oft ganz spontan aufgenommen. Wenn ich Menschen (meine Freunde) fotografiere, frage ich immer, ob ich das Bild machen darf. Ich bin mir des invasiven Aspekts des Fotografierens sehr bewusst (ich mag es eigentlich nicht, selbst fotografiert zu werden), aber normalerweise vertrauen sie mir und stimmen zu.

Andere Dinge, die ich einfange, können ganz banal sein: eine weggeworfene Ecke von etwas, ein abstraktes, übersehenes kleines Detail, ein gewöhnlicher Stuhl oder eine unattraktive Pflanze. Ich kann mich auch von der Ästhetik verführen lassen. Licht ist so elementar für das Sehen; wenn es vor unseren Augen zu einer Form wird, ist es schwer zu widerstehen, es einzufangen und es für einen Moment zu seinem eigenen zu machen.

Was ich damit sagen will, ist, dass ich kein bestimmtes Thema habe, aber alle meine Arbeiten haben natürlich einen engen Bezug zu mir. Erst im Prozess des Druckens und Manipulierens schaffe ich eine Distanz, und zu diesem Zeitpunkt wird der ursprüngliche Moment und die Darstellung manchmal zu einem bloßen Baustein, wie das Papier und die Chemikalien, der zu etwas Formalerem umgearbeitet werden muss. Dann beginne ich zu dekonstruieren oder zu betonen oder zu wiederholen oder zu schneiden, und die Bilder können zu Mustern oder Abstraktionen werden. Auf diese Weise denke ich, dass die Fotografie selbst zum Hauptthema meiner Arbeit wird.

Gibt es (analoge) Fotograf:innen, die deine Ästhetik und Herangehensweise beeinflusst haben?

Es gibt viele Fotografen, die ich mag, aber ich bin mehr von Filmemachern und von Künstlern beeinflusst, die sich manchmal der Fotografie bedienen, aber nicht als Fotografen gelten. Wichtig für mich sind die Arbeiten von Agnes Varda, Michael Snow, Chris Marker, Johan van der Keuken und Chantal Akerman, um nur einige zu nennen.

Gibt es bestimmte Kameras oder Filme mit denen du bevorzugt arbeitest?

Ich besitze mehrere Kleinbildkameras und eine 6×9 Bessa Voigtlander, die früher meinem Großvater gehörte, sowie eine Polaroidkamera. Ich würde gerne in naher Zukunft auch mit Mittelformat arbeiten, aber ich mag die Unkompliziertheit kleiner Kameras, die einfach zu bedienen und mitzunehmen sind. Vorzugsweise nicht zu teuer, damit ich mir nicht so viele Gedanken darüber machen muss, ob ich sie mitnehme, wenn es etwas regnet oder wenn ich mich an einem nicht so idealen Ort befinde. Die Kameras, die ich verwende, sind zuverlässig, unkompliziert, einfach zu bedienen und in gewisser Weise eine Verlängerung meiner selbst.

Die Filme, die ich verwende, sind nicht die ausgefallensten. Darauf lege ich keinen großen Wert. In dieser Hinsicht halte ich es oft lieber einfach. Wenn ich etwas mag, dann bleibe ich dabei. So wie Ilford PAN und Kodak Ultramax, die mir gut genug sind. Ich verwende sie ständig.

Apropos Filme: Wie sieht dein Workflow aus?

Ich lasse meine Filme für mich entwickeln. Ich habe das vor nicht allzu langer Zeit endlich selbst gemacht, nachdem ich es jahrelang aufgeschoben hatte, und es ist einfach genug, aber ich mag diesen Schritt des Prozesses nicht wirklich; ich bin gestresst und mache mir Sorgen, dass ich für einen Moment unvorsichtig oder ungeschickt sein und meine Bilder verlieren könnte. Was für mich wichtig ist, ist der Druck.

Ich bedauere es sehr, dass ich meine Farbaufnahmen nicht so drucken kann wie meine Schwarz-Weiß-Aufnahmen. Nachdem ich den Film erhalten habe, wähle ich die Bilder auf der Grundlage eines Scans aus. Früher habe ich mir gerne Proofs vom Labor geholt, und zwar häufiger, als es mir jetzt möglich ist, und ich habe sie als ersten Schritt zur Visualisierung meiner Negative anstelle eines Scans verwendet, aber das ist ziemlich teuer und in letzter Zeit war es notwendig, um Kosten zu sparen. Ich bereite Farbabzüge digital vor, bevor ich sie in einem Labor drucken lasse. Die Schwarz-Weiß-Abzüge (die ich am häufigsten verwende) bearbeite ich rein analog in meiner Dunkelkammer, abgesehen von der gelegentlichen Posterausgabe, die ich woanders drucken lasse.

Welchen Rat würdest du anderen Fotograf:innen geben, die dieses Interview lesen?

Tu, was du für notwendig hältst. Und wie ein Freund von mir einmal riet (zu einem anderen Thema, aber es gilt auch hier) – Tu, was dich lebendig macht!

Falls du deine Arbeiten auf Instagram veröffentlichst: Fluch oder Segen?

Es ist schön, eine gewisse Sichtbarkeit zu erhalten, und dafür ist es gut. Ich habe die Erstellung eines Konto lange aufgeschoben und erst vor kurzem (vor zwei Jahren) eines eingerichtet. Ich benutze es, aber ich bin Algorithmen und großen Unternehmen gegenüber sehr misstrauisch, ebenso wie der mundgerechten, ästhetischen schnellen Soße mit der wir alle unser Bewusstsein verflachen.

Welche drei Fotobücher kannst du empfehlen / sollte man unbedingt besitzen?

„Foto en Copyright“ (G.P. Fieret), „Youth Is an Art“ (Daan van Golden) und „Fotografià“ (Soll LeWitt)

Vielen Dank für deine Zeit!